Онлайн
Самая известная картина в мире была написана Леонардо да Винчи между 1503 и 1519 годами, когда Леонардо жил во Флоренции. Теперь картина висит в Лувре под пуленепробиваемым стеклом и является объектом паломничества. Таинственность и недоказанная идентичность модели сделали эту картину источником постоянного изучения и увлечения. «Мона Лиза» стала и самой копируемой картиной в истории. Cуществует как минимум дюжина реплик на Джоконду, которые были созданы учениками самого мастера. Можно найти и тысячи других Джоконд — даже карикатурных, нелепых, ироничных. В сегодняшней публикации мы рассмотрим самые известные реплики на Джоконду последних десятилетий, в работах известных художников.
1.Казимир Малевич, «Композиция с Моной Лизой», 1914г
Малевич стал первым в 20 веке, который использовал образ Моны Лизы в своем коллаже. В нем он издевательски пренебрег культовым статусом картины. На «Композиции с Моной Лизой» он просто взял и перечеркнул лицо Джоконды красным крестом.
Малевич, на тот момент работавший в жанрах импрессионизма и кубизма, начал экспериментировать с кубизмом. Его интересовала в первую очередь абсурдность изображения, и в каждую из работ он добавлял один или несколько резко контрастирующих элементов. В «Композиции с Мона Лизой» этими элементами выступают перечеркнутая картина Леонардо, как символ старого искусства, газетная вырезка и надпись «Частичное затмение».
2. Марсель Дюшан, L.H.O.O.Q., 1919г
Именно Дюшан начал огромную волну эксплуатации знаменитого образа в 20 веке. Он в откровенно школьном стиле карандашом нарисовал на репродукции усы и козлиную бородку. Глубокие глаза женщины и ее округлое лицо не противоречат эту акту насилия Дюшана. Борода и усы кажутся завершением образа. Дюшан заявил, что Мона Лиза стала мужчиной. И не женщиной, замаскированной под мужчину, а самым настоящим мужчиной. Название L.H.O.O.Q. («Elle a chaud au cul» с французского переводится как «у нее горячая задница») также заявляет о том, что это уже не просто пародия, а настоящая атака на Мону Лизу как икону культуры массового потребления.
Работа L.H.O.O.Q. нашла множество подражателей среди дадаистов и сюрреалистов. Это непочтительное отношение к самой известной из культовых картин выразило на самом деле презрение дадаистов в целом к искусству прошлого. Под лейтмотив только что окончившейся Первой мировой войны, огромных перемен и переоценки ценностей эта дерзкая выходка, своеобразная фрейдистская шутка явилась очень кстати.
3. Фернан Леже, «Мона Лиза с ключами», 1930г
Мона Лиза Леже — одно из самых экспериментальных полотен художника. Он многие годы экспериментировал с композицией: убирал фрагменты картин, играл с ними вне перспективы, экспериментировал с ракурсами и цветом. Влияние сюрреализма здесь очевидно. Изображенные объекты не имеют поддержки, а словно плавают в космосе. Влияние сюрреализма проявляется и в причудливом сопоставлении предметов, отсутствии отношения друг другу. Что касается изображения Моны Лизы — так он вовсе обесценивает ее образ. Для него это не культовый образ, а просто очередной растиражированный элемент поп-культуры. Делая на этом акцент, Леже помещает образ женщины на задний план, перекрывая ее изображение связкой ключей.
4. Сальвадор Дали, «Автопортрет в образе Моны Лизы», 1954г
Дали в этом фотомонтаже в сотрудничестве с известным портретным фотографом Филиппом Халсманом Дали пародирует L.H.O.O.Q. Марселя Дюшана. Это примечательно, ведь пародия Дюшана действительно также породила множество пародий на пародию. Таким образом, в «Автопортрете в образе Моны Лизы» встретились две визитные карточки — самое известное произведение Да Винчи и легендарные усы Дали. В том же 1954 году «Автопортрет...» вышел в совместной книге Халсмана и Дали «Усы Дали», в которой представлено 36 видов усов художника.
5. Фернандо Ботеро, «Мона Лиза в двенадцать лет», 1959г и «Мона Лиза», 1963г
Этот колумбийский художник славится своими «толстыми фигурами» — стилем, который он разработал, когда начал экспериментировать с размерами и пропорциями в 1950-х годах. Ботеро начал свою карьеру, копируя многие знаменитые картины. В том числе он создал две известные реминисценции на Джоконду — в 1959 и 1963 годах.
Мону Лизу образца 1963 года он, не изменяя своему стилю, создал гиперболически огромной. Это и есть его почерк. Но здесь, в изображении Моны Лизы, этот его прием оказался как нельзя кстати. Надутая фигура Джоконды будто символизирует чувство собственной важности модели. Ботеро создал образ, который так далек от той деликатной и загадочной «Моны Лизы» из Лувра, что почти читается как пародия.
6. Рене Магритт, «Джоконда», 1960г
Мона Лиза Магритта, пожалуй, является одной из самых оригинальных. На этом полотне бесполезно искать лицо Моны Лизы. Эта работа — замечательный пример зрелой живописи художника. Она объединяет некоторые из самых любимых элементов художника: занавес, колокол и небо, все они изображены на нейтральном фоне. В композиции преобладают монументальные шторы, при помощи которых Магритт иллюстрирует сопоставление противоположностей — парадокс скрытия и раскрытия, а также контраст между естественным и искусственным, между внутренним и внешним. Магритт ставит под сомнение то значение, которое мы привыкли приписывать привычным объектам и явлениям, в частности — легендарной картине Да Винчи.
7. Энди Уорхол, «Цветная Мона Лиза», 1963г
Энди Уорхол тоже целился именно в сам статус знаменитой картины в своей сериграфии 1963 года. Вообще Энди Уорхол с огромным удовольствием и активно эксплуатировал образ Моны Лизы. Эксперименты над «Джокондой» у Уорхола начались работой под названием «Двойная Мона Лиза», продолжились сериграфией «Четыре Моны Лизы», но и на четырех он решил не останавливаться. В конечном итоге художник повторил изображение 30 раз. Эту версию Уорхол назвал «Тридцать лучше, чем одна».
8. Роберт Раушенберг, «Пневмония Лиза», 1982г
Под этим мистическим и игривым названием Раушенберг создал коллаж с четырьмя изображениями Моны Лизы. Это многосложный коллаж с использованием множества материалов: здесь и фольга, и текстиль, и карандашный рисунок. Тем самым он показывает, что можно использовать изображения, не копируя его, а помещая его в необычный контекст и балансируя на грани между репродукцией и уникальным произведением.
Сам Раушенберг так высказался о «Джоконде» Да Винчи: «Очень скоро картина превратилась в факсимиле. Она стала настолько узнаваемой, что ее можно распознать, не глядя не нее».
9. Софи Матисс, «Мона Лиза (Вернусь через 5 минут)», 1997г
Правнучка Анри Матисса и приемная внучка Марселя Дюшана Софи прибегла к приему, который мы рассмотрели ранее в работе Рене Магритта. Она также вовсе исключила непосредственный образ Джоконды из произведения. Все, что мы видим — это лишь фон, который сам по себе уже интересен и является объектом анализа. Джоконда была здесь, но отошла — такова задумка Софи. Пейзаж — это некое сказочное, воображаемое место с огненной рекой и мистическим ландшафтом. Произведение погружает зрителя в себя и заставляет задуматься о таких понятиях как место и время, бытие и небытие. Постепенно начинаешь верить, что Мона Лиза была вот здесь и сейчас буквально недавно, но мы опоздали.
10. Долк Лундгрен, «Последняя Мона», 2008г
Этот норвежский граффити художник, чьи ранние работы принимали за Бэнкси, всегда работает на грани юмора и трагедии, его холсты — это заборы и заброшенные здания крупнейших городов мира, кисти — баллончики с краской. Произведения этого художника не претендуют на вечность: как и любое граффити они подвергаются опасности каждый день. А самого художника обвиняют в вандализме. Этот художник и сам себя называет себя «Кинжалом» (Dolk в переводе с норвежского «нож», «кинжал»). В работе «Последняя Мона» Лундгрен вместо реального кинжала, правда, он использует в качестве деструктивного элемента валик и алую краску, тем самым показывая, что ничто не вечно.
